Archipiélago es más diverso y ambicioso, visual y técnicamente, que Ville Neuve. La película combina pintura y dibujo en papel, animación en TVPaint y pintura y dibujo directamente bajo la cámara. También incorpora varias otras técnicas de animación (scratch, pastel, collage, stop motion, rotoscopia) además de escenas de archivo y acción en vivo manipuladas.

Se realizó durante un período de tres años (la parte central de la producción fue completamente justo antes de que nos saludara la pandemia) con un equipo de 12 animadores (incluidos Malcolm Sutherland, Philip Lockerby, Jens Hahn y Eva Cvijanović). El presupuesto fue de unos modestos CAD $ 625.000 (USD $ 485.000).

Antes del estreno de la película en Rotterdam, Cartoon Brew entrevistó a Dufour-Laperrière a través de Zoom para discutir la inspiración y el placer detrás de su creación.

Chris Robinson: Dado el poco tiempo entre Ville Neuve y Archipiélago, Supongo que tenías esta nueva película planeada y escrita antes. Ville Neuve incluso estaba terminado.

Félix Dufour-Laperrière
Félix Dufour-Laperrière

Félix Dufour-Laperrière: Empecé a escribirlo en 2015, un poco después del guión de Ville Neuve estaba hecho. Honestamente, fue un regalo. Fue divertido de escribir. Estaba muy cerca de mí y era fácil de financiar, lo cual fue sorprendente dado el enfoque “experimental”. Fue muy divertido de hacer. Era el tipo de película que quería hacer cuando terminara la universidad, pero no tenía el dinero ni la madurez para poder organizarla. Solo quería entrar en un estudio con gente con la que me gusta trabajar y hacer imágenes durante dos años. Ese era realmente el principio básico.

¿En qué se diferenciaba eso del proceso de hacer Ville Neuve?

Con Ville Neuve, Estaba tratando de controlar más. Yo mismo hice todo el diseño y los fotogramas clave. Podría haber intentado controlar demasiado. Xa Archipiélago, Fue divertido. Solo hice algunas imágenes, notas, extractos. A partir de estas referencias, los animadores se iban solos durante seis meses y hablábamos cada dos días.

En algunas formas Archipiélago se siente como una extensión de Ville Neuve, excepto que tal vez te alejes de lo personal hacia perspectivas más abstractas y fragmentadas, como si estuvieras fusionando todo tipo de voces del pasado y el presente en una sola narrativa.

Es un poco del mismo tema, tratado de manera diferente. Formalmente es muy diferente. Mucho más color. Quería alejarme del gris de Ville Neuve. Quería divertirme. Es una película sobre lo que constituye un hogar o un territorio, pero incluyo muchas cosas que me encantan: todo, desde el escritor quebequense Hubert Aquin hasta mi abuela y mi hija. Cuando pertenecemos a un lugar o comunidad, un país o una familia, es real, pero también hay un espacio de ensueño imaginario, algo que proyectas en ese espacio. Eso es precioso para mí.

Sí, me pareció que si bien ciertamente exploras Québec y esta idea de, como dice un personaje en la película, una “provincia imposible”, estás haciendo una pregunta más general sobre qué es el hogar.

Exactamente. Archipiélago tiene las mismas intuiciones políticas que Ville Neuve, pero se trata de manera diferente. Mucho vino de la relación con los archivos. Nos encantan las imágenes antiguas de, digamos, molinos de viento. Es adorable. También es una visión falsa, imaginaria y políticamente problemática del pasado. Las imágenes de archivo pueden ser bastante hermosas. Te sientes como un niño, como recuerdos de la infancia.

Eso es muy cierto. De vez en cuando voy al sitio web de la National Film Board of Canada y veo algunas películas de los años 40 o 50 sobre, digamos, Ottawa. Hay algo reconfortante y cálido en estos trabajos a pesar de que son una completa mierda. Las películas caseras son iguales. Todos se ven tan joviales, cariñosos y unidos en ellos, pero la realidad cotidiana era un poco diferente.

Sí, absolutamente, son falsas. Es teatro.

¿Qué significa para ti esa frase “provincia imposible”?

Es el destino político de Québec. Todavía estamos en este limbo entre ser parte de Canadá y forjar nuestro propio destino. Muchos no aceptan plenamente que Quebec sea una provincia de Canadá. Existe esta tensión sin resolver. Jacques Ferron [a Québécois writer and doctor who is referenced in the film] tenía una frase: el “país incierto”. Así que está repitiendo eso un poco.

Nunca estamos seguros de quién está hablando Archipiélago, y mucho menos de dónde y cuándo son esas voces.

Eso fue intencional. Está vinculado al hogar, a algo a lo que pertenecemos que es en parte real y en parte imaginario. Cuando observamos una situación, hay mucho pasado real e imaginado que entra en nuestra perspectiva presente. Es como una versión posmoderna de la historia. Todo es contemporáneo; pasado y presente conviven. Para mí, es muy importante porque te ayuda a nombrar las cosas que sientes y percibes.

¿Pasaste mucho tiempo revisando imágenes de archivo?

Buscar los archivos adecuados no fue laborioso. Más bien, fue un proceso continuo durante todo el primer año de producción. Se planeó incluir parte de ella desde el principio, otras provenían de imágenes familiares, películas de amigos. Algunos fueron filmados en 16 mm durante la producción, pero aparecen como “archivos”.

Sorprendentemente, el material de archivo principal que se utiliza para, de alguna manera, estructurar la película, las islas del San Lorenzo, con los mapas y el material de la década de 1940, no fue planeado. Lo encontré mientras buscaba otro material.

Este archivo se utiliza de diversas formas: como cita (introduciendo imágenes y palabras del pasado), como base para la rotoscopia, y también “contra sí mismo”. Con eso, me refiero a que ha sido reelaborado y editado para criticarse a sí mismo, para revelar que una parte es falsa, de orientación política y que también podemos (o deberíamos) sacarle un significado diferente para que una narrativa histórica diferente pueda surgir.

Arte de desarrollo de “Archipiélago”

Debido al enfoque experimental o no lineal de la película y los diferentes estilos de animación, a veces se sentía como estar dentro del diario de bocetos de alguien. ¿Hubo mucha improvisación?

Sí mucho. Tanto yo como el equipo. El equipo fue realmente generoso e involucrado. Tuvieron mucha libertad pero dieron mucho de sí mismos. Fueron cinco o seis personas que pasaron los dos años con nosotros.

¿Alguna vez tuviste algún momento, porque estabas improvisando, en el que pensaste, “Mierda, ¿a dónde va esto?”?

¡Sí, todas las semanas!

Debe haber sido liberador también.

Sí, fue bueno salir de tu ego y tratar de no ser tan controlador. Fue divertido hablar con las personas con las que te gusta estar y ver las imágenes que habían hecho. Sentí un poco de angustia por no tener una película. [at the end of the process].

Soy muy preciso con la edición. Grabé y edité el diálogo al principio para que esté muy claramente colocado. Y comencé a poner las imágenes sobre eso. Terminó siendo más del doble de diálogo de lo planeado originalmente.

¿Cómo encontraste a tus animadores y qué instrucciones les diste?

Varió. Para algunas secuencias fui bastante preciso, pero para otras les di breves notas y luego simplemente dije: “Ve y dibuja como dibujas”. Entonces, tu impresión de que es como un cuaderno de bocetos es correcta. Jens Hahn hizo algunas de las secuencias de multitud. Me tomó dos años convencerlo de que simplemente “sigue adelante, hombre, y haz lo que haces”. Sabía que era pintor, pero nunca muestra su obra a nadie. Es muy bueno en los retratos dibujados libremente, así que le pedí que hiciera lo que hace.

Tenía algunas ideas sobre lo que quería para ciertas escenas y me acerqué a animadores cuyo trabajo pensé que encajaría con eso. Por ejemplo, le pedí a Phil Lockerby que dibujara la escena en la que la gente está borracha porque sabía que era bueno dibujando gente en los bares.

Arte de desarrollo de “Archipiélago”

¿Que sigue?

yo tengo una nueva característica que está escrita y parcialmente financiada. Es una coproducción franco-luxemburguesa llamada La muerte no existe. Es una versión trágica de la violencia política.

¿Te propones ahora hacer una función o los conceptos dictan el formato?

[Laughs] Quizás sea un poco de orgullo, pero me encanta tener una proyección para mí. Es maravilloso. Me encanta la longitud y el espacio que obtienes al dirigir una función. Puedes tomarte más tiempo. Saca la animación de su audiencia normal. Soy consciente de que. A menudo he lanzado películas en un contexto que no es de animación. Esas audiencias a menudo parecen sorprendidas por este lado de autor de la animación, y su belleza y fuerza.

Source link