Estilísticamente, Mi Sunny Maad presenta personajes dibujados a mano con contornos definidos y texturas detalladas; la estética es similar a la de una novela gráfica. Aunque la historia se desarrolla en la era posterior a los talibanes, la posición de las mujeres en la sociedad patriarcal, donde sus padres o maridos tienen el control total sobre sus vidas, no ha cambiado mucho.
Al no poder tener hijos propios, Herra y Nazir adoptan a Maad (Shahid Maqsoodi), un niño con una condición de salud sin nombre que causa una fisiología peculiar y mucho rechazo. Pavlátová maneja las diferencias físicas de Maad con gran tacto a través del diseño de personajes que las deja claras pero no las ridiculiza.
La relación que se desarrolla entre Herra y Maad, una de compasión mutua como forasteros en este microcosmos restrictivo, actúa como la brújula emocional en una historia sobre el choque cultural, la masculinidad tóxica sin control y hablar cuando se espera silencio y sumisión.
A medida que Herra se vuelve más consciente de las restricciones sobre su agencia y la situación en el país se vuelve violentamente volátil, su afecto genuino y recíproco por los sensibles Maad y Nazir, un hombre un poco más tolerante y de mente abierta que la mayoría en este contexto, se convierte en su único. ancla.
Hay pocos momentos de respiro en este drama tenso y descorazonador, apto para públicos maduros. Una secuencia de sueños ve a la joven sobrina de Herra y Nazir, Roshangol (Maryam Malikzada), quien está a punto de casarse con un hombre mucho mayor, patinando y corriendo con otras mujeres mientras todas dejan que su cabello fluya fuera de sus burkas. Más tarde, el lenguaje ilimitado de la animación se utiliza para transformar el parabrisas de un automóvil en un retrato que revela el duelo de la familia después de una gran tragedia, que cambia de forma a su vez para mostrar a Herra conduciendo.
En ese sentido, la película de Pavlátová se acerca más a Las golondrinas de Kabul o Huir, el ganador del premio al mejor largometraje de Annecy este año, que al más caprichoso de Cartoon Saloon El sostén de la familia. Aún así, todos estos títulos han aprovechado el medio para arrojar luz sobre los segmentos de la población con mayor riesgo en un país devastado por la guerra sin una industria cinematográfica propia que funcione. La animación se ha convertido en una ventana a la historia reciente de Afganistán.
Chico mocoso (Austria / Alemania)
Tonal y estéticamente, Chico mocoso está en el extremo opuesto del vasto espectro de animación de Maad. Entre ellos, las dos películas reafirman la aplicabilidad del medio a todos los géneros. Este esfuerzo de los codirectores Santiago López Jover (animador de Canción del mar) y Marcus H. Rosenmüller (cuyos antecedentes son la acción en vivo) es una comedia atrevida sobre la mayoría de edad inspirada en la vida y obra del artista satírico austríaco Manfred Deix.
Con la pequeña ciudad de Austria en la década de 1960 como telón de fondo y la Segunda Guerra Mundial aún en la mente de la población, la película se centra en el Snotty Boy (Markus Freistätter), un adolescente que sufre dolores de crecimiento y su despertar sexual. Dado que este adolescente es un artista innato con un talento para los dibujos realistas, sus amigos lo animan a crear ilustraciones pornográficas para venderlas a otros niños lujuriosos. En todas partes, hay mujeres con senos exageradamente grandes, mordazas visuales que involucran penes y sexo extramatrimonial, arte blasfemo y humor escatológico.
Además de los elementos burdos, algunos de los cuales funcionan simplemente porque no estamos acostumbrados a ver contenido tan maduro en las funciones animadas de CG American (el último ejemplo puede ser Fiesta de la salchicha), el guión de Martin Ambrosch trata sobre los sentimientos nazis que aún asolaban a la nación en conflicto en los años posteriores a la desaparición de Hitler, la hipocresía de la Iglesia católica y la xenofobia persistente contra las poblaciones minoritarias como los romaníes.
Desde un punto de vista visual, los personajes no son precisamente agradables; sus movimientos y expresiones faciales son un poco forzados, aunque hay un gran nivel de detalle en su creación. Todos los chicos están diseñados para parecer un poco grotescos, coincidiendo con los cambios de la pubertad que los afligen. Un puñado de escenas en las que Snotty Boy experimenta el romance quitan momentáneamente la narrativa de la realidad imbuyendo un poco de magia simple: flota en una nube de brillante polvo de duendes tras un breve beso.
Con todo, el resultado es una extraña mezcla de temas importantes, como la aceptación y la fe en el talento de uno, y burdas alusiones a la masturbación o la defecación. Dado que tampoco es impresionante a nivel artístico, la película podría tener dificultades para encontrar gran parte del mercado a nivel internacional.
Picture Tree International se encarga de las ventas mundiales de «Snotty Boy».
Poupelle de Chimney Town (Japón)
Quizás el más tradicional de los tres títulos que tuvimos la oportunidad de ver, ya que cuenta una fábula fantástica en una tierra ficticia, es Poupelle de Chimney Town, uno de los varios largometrajes japoneses que compitieron en Annecy este año.
Una reinvención cinematográfica del libro ilustrado del mismo nombre de Akihiro Nishino, esta película de aventuras / amigos cuasi-steampunk representa el debut como director del veterano artista de CG Yuusuke Hirota (Shin Godzilla, Juego mental). Utilizando principalmente un estilo cg no fotorrealista, Poupelle muestra fondos digitales meticulosamente ejecutados que nos brindan una sensación de escala dentro de esta tierra.
El escuálido pero valiente Lubicchi (Mana Ashida), un niño que se asemeja a un pequeño vampiro con dientes caninos prominentes y un sombrero de copa, funciona como un limpiador de hollín. Como sabemos, la ciudad recibe su nombre de todas las chimeneas que liberan cantidades masivas de humo negro. Nadie aquí ha visto nunca el cielo azul o las estrellas. Los residentes viven en la oscuridad perpetua bajo un gobierno tiránico.
Debajo de todos los conflictos se encuentra el vínculo padre-hijo entre Lubicchi y su difunto padre Bruno (Shinosuke Tatekawa), un soñador que creía de todo corazón que había más.
El deseo de compañía del niño se manifiesta en su amistad con un basurero (Masataka Kubota), literalmente una entidad humanoide formada por pedazos de desechos desechados que se vuelven sensibles después de que una roca del espacio exterior se estrella en un vertedero. Lubicchi lo llama Poupelle Halloween. Una escena temprana en la que los nuevos compañeros se embarcan en una peligrosa montaña rusa a través de las entrañas de Chimney Town es una experiencia inmersiva y marca el tono de su amorosa complicidad.
Conmovedora sin volverse sacarina, la película maneja la soledad de Lubicchi y la resolución inocente de Poupelle para ofrecer consuelo con una hermosa ternura que coincide con algunos de los momentos deslumbrantes de una maravillosa maravilla visual, especialmente en el tercer acto. Sin embargo, la narración es bastante complicada. Esto no se debe únicamente a la repetición excesiva de ciertos ritmos expositivos desde múltiples perspectivas, sino también a que hay demasiada mitología e información que debe ser transmitida para que entendamos esta realidad alternativa.
En algún momento, un personaje secundario relata otra leyenda que toca los males del capitalismo y la necesidad de un nuevo tipo de moneda para que la gente prospere. Esto complica aún más las cosas. En términos de narrativa y construcción del mundo, la película a veces es confusa. Dicho esto, hay mucho por lo que quedar encantado.
“Poupelle of Chimney Town” se lanzará en todo el mundo este año.
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