La película adapta la serie de novelas del mismo nombre de Nahoko Uehashi. Una gran cantidad de exposición está abarrotada en sus primeros cinco minutos, pero la historia es familiar: un grupo de guerreros llamado The Lone Antlers luchó contra una invasión de su país por el Imperio de Zol y perdió. Su líder y capitán Van está encarcelado, pero escapa con una joven llamada Yuna después de un misterioso ataque de lobos sobrenaturales (espere un montón de La princesa Mononoke comparaciones, no inmerecidas).
De aquí El Rey Venado ‘El enfoque cambia constantemente, de una manera que se siente adecuada para su odisea observada y con un ritmo paciente. Aunque los compañeros de viaje cambian, Van sigue siendo el ancla, y se abre gradualmente a medida que su relación con su nueva hija adoptiva lo cambia.
Eso, y su recién descubierta conexión espiritual con el mundo natural, encajan con la fantasía y el contexto sociopolítico de la película de maneras sorprendentes. Varias historias antiguas – la familia encontrada, la naturaleza empujando contra la industria humana y el imperio – se cuentan aquí con nuevo brío. La película se siente agradablemente tradicional, pero se distingue por un enfoque atípico de la fantasía: catalogada como una «fantasía médica», busca racionalizar científicamente sus diversos misterios.
Como se esperaba del impresionante talento creativo involucrado, El Rey Venado está exuberantemente presentado, lleno de magnífica iluminación y arte de fondo, sus hermosos dibujos de personajes llevan las firmas visuales del trabajo de Ando con Ghibli y Kon en su atención a las pequeñas peculiaridades e imperfecciones de sus rostros. (Ando también se desempeña aquí como director de animación y diseñador de personajes).
Los antecedentes profesionales de Ando y Miyaji también se pueden ver en la compleja y bien considerada tradición del reino en decadencia, así como en cómo los personajes se mueven con un peso increíblemente creíble, sin importar cuán surrealistas o abstractas se vuelvan las imágenes que los rodean en los actos posteriores. .
El Rey Venado enfatiza su fuerte conexión con la tierra a través del peso humano real de su animación, un fuerte equilibrio con las frecuentes experiencias espirituales y extracorporales de la película. Esa atención a cada matiz de movimiento de sus seres humanos y animales, la consideración de la tensión de los músculos o los más pequeños tirones en la cara, refleja el enfoque humanista y fundamentado de la película de su fantasía a gran escala.
Es un ancla útil porque la narrativa es increíblemente densa. Pero aparte de su apertura radical, rara vez se siente abrumadora, ya que desenrolla cuidadosamente las complicaciones nacidas del conflicto fuera de la pantalla: cambio político, malestar social, amor entre personas de naciones en guerra, la creencia en la retribución divina. El Rey Venado es realmente fascinante y rico en la construcción de su mundo, pero deja lo suficiente sin decir que los espectadores se irán queriendo aún más.
GKIDS lanzará «The Deer King» en cines en Norteamérica a principios del próximo año.
La fortuna favorece a Lady Nikuko
Después de la extensa y fascinante fantasía abstracta de Hijos del mar, El director Ayumu Watanabe regresa a un plano terrenal con los humildes La fortuna favorece a Lady Nikuko. Donde su película anterior trabajó en muchas cuestiones argumentales y existenciales, Nikuko es considerablemente más escasa y de menor escala.
Basada en la novela de 2011 del mismo nombre de Kanako Nishi, la película se centra en Nikuko y su hija Kikuko, de 11 años, que viven en una casa flotante en un pequeño pueblo pesquero junto al mar al que se acaban de mudar. Nikuko tiene una tendencia a enamorarse de los hombres que la decepcionan, y cada angustia lleva a la pareja a un nuevo lugar.
A pesar de que la película lleva el nombre de Nikuko, Kikuko es el foco real. Watanabe examina su vida interior y los pequeños dramas del patio de la escuela, tratándolos con seriedad por triviales que parezcan. La película recuerda abiertamente imágenes icónicas de Mi vecino Totoro, y también comparte su voluntad de tratar la perspectiva de un niño con seriedad y mucho cuidado.
En comparación, su madre Nikuko, que trabaja como mesera en un bar local, es tratada como una caricatura, una especie de papel de aluminio para Kikuko. Su actitud exagerada naturalmente avergüenza a la aún joven Kikuko, pero la película va demasiado lejos al buscar la comedia mía de Nikuko, con demasiada frecuencia buscando risas baratas de su peso. Esto se siente atroz en una película que trata a su otro personaje principal con un cuidado tan sutil y sensible.
La gracia salvadora de la película, entonces, es que permanece en su mayor parte con Kikuko, animando su punto de vista a través de su encantador arte. Los diseños de los personajes de Kenichi Konishi van desde un realismo tenue y líneas ásperas en los rostros curtidos de los amables veteranos hasta la exuberancia de los adolescentes desgarbados y con los ojos muy abiertos.
A pesar de la gran diferencia de tono, la película es una especie de reflejo de Hijos del mar: ambas son historias sobre la mayoría de edad sobre niñas sintonizadas con las voces del mundo que las rodea. Entonces, apropiadamente, al igual que el mundo natural en Hijos del mar tenía una voz propia, así que lo hace aquí, en parte a través del animado y complejo detalle de la dirección de arte de Shinji Kimura.
Como lo hizo en Hijos del mar, Kimura diseña el mundo alrededor de Kikuko para complementar cómo lo percibe, con plantas y animales conversando con ella y entre ellos. Esa rica vivacidad se realiza con una composición encantadora, que resalta las texturas terrosas y la interacción suave y natural de luces y sombras.
Reforzado por esa agudeza visual, Nikuko es una serie de viñetas en su mayoría agradables y de bajo riesgo que ocasionalmente se socava, pero en su mayoría encanta con su relajada narrativa de mayoría de edad.
Pompo: el cinéfilo
Pompo: el cinéfilo comienza con un tono absurdo: un productor niño prodigio mercenario y sensato es famoso por hacer películas B alegremente basura, y solo se vuelve más tonto a partir de ahí. Pero el enfoque de la película de Takayuki Hirao no está tanto en el personaje del mismo nombre como en su asistente de producción, Gene.
Después de que Gene ejecute una serie de tareas menores, Pompo considera oportuno asignarlo como director de su proyecto apasionante. Es un guión que escribió para una película más prestigiosa, el tipo de éxito de taquilla clásico destinado a la temporada de premios (la industria de Pompo, Nyallywood, es un simulacro apenas velado de Hollywood). El resto de la película sigue a Gene a través de la preproducción, el rodaje y la posproducción mientras aprende a ser director sobre la marcha.
Pompo es más ridículo por su ingenua seriedad que por cualquier tipo de tontería sabia o satírica. Para empezar, retrata el nepotismo de Hollywood como algo bueno y sencillo en lugar de un síntoma de una industria narcisista. Hirao, quien también escribió el guión (adaptando una serie de manga de Shogo Sugitani), enhebra la aguja de esto, a la realización de una película de gran presupuesto con el cebo de los Oscar, a los monólogos sentimentales almibarados de esos amados campeones de la creatividad, los banqueros. Esa parte es tan extraña que casi vuelve a ser entretenida.
La película es sin duda una apasionada de la realización cinematográfica y merece apoyos por los esfuerzos para evocar la emoción por las minucias menos glamorosas del oficio. Muchas de las imágenes más audaces de la película están reservadas para la suite de edición: hay una representación hilarante y encantadoramente realzada de cómo se siente presionar una tecla de borrar, en la que Gene sostiene una gran espada y ataca a los carretes voladores gigantes de la película.
Estéticamente y de otra manera, Pompo representa todo el encanto de Hollywood con algunas de sus complicaciones: es brillante, bonito y también superficial. Su seriedad no se siente intrínsecamente incorrecta en sí misma; de hecho, ese idealismo es bastante agradable. Pero conlleva una persistente sensación de falsedad.
Es no ¡Mantén tus manos fuera de Eizouken! la reciente serie dirigida por Masaaki Yuasa sobre la narración de historias en el medio de la animación, que también fue (intencionalmente) extravagante pero mostró muchos más matices en su compromiso con las dificultades de dicho trabajo, así como más imaginación visual. Quizás sea una comparación injusta, pero cuando existe una serie de este tipo, es difícil no ver Pompo ‘s alcance tan estrecho.
Hay suficiente amabilidad en el estilo visual de Hirao para evitar que sea imposible de ver, pero Pompo ‘Su encantador entusiasmo no puede compensar su visión frecuentemente trillada de la profesión elegida.
Fantasia se extenderá hasta el 25 de agosto, con proyecciones en línea geobloqueadas para los espectadores canadienses.
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